El arte de las sombras, Black Swan (BTS)

El tema "Black Swan" pertenece a al album Map of The Soul: 7 de la banda surcoreana BTS lanzada el 17 de enero del 2020 como el primer sencillo de dicho álbum. Pertenece al genero Emo Hip hop, trap y cloud trap que encierra un ambiente bastante cargado y solitario además que tener una letra bastante directa y honesta en cada una de sus estrofas.

Fuente: Nación Rex

El apreciar este video es básicamente entender un trasfondo duro y un tanto triste de ver, pues para darnos las sensaciones le pusieron mucha alma a todo el tema en sí, disfrazando sonidos y entregando otros que casi pasan desapercibidos pero si que son necesarios para concretar el ambiente del video y la canción misma, he aquí la razón de usar melodías instrumentales sin muchos arreglos o distorsión.

Uno de los puntos mas reconocidos es sin duda su puesta en escena, ya que en cuanto a compasión gráfica su ejecución fue muy buena y no deja nada suelto, lo cual pretende que todo lo presentado en pantalla tenga una razón de ser, desde la posición de las luces y la proyección de las sombras en las paredes iluminadas con luz artificial hacen de este aspecto un sello especial que caracteriza y entrega un tema pensado y analizado muchas veces antes de terminar el trabajo.

Fuente: Bk Kent Week

La banda surcoreana se caracteriza por mostrar el lado mas bello de algo, cada uno de los accesorios, las tomas, los encuadres, movimientos de cámara y colores suelen ser precisos para poder expresar el sentido del tema musical y Black Swan también lo logró. En ese caso se hizo mayor énfasis en la música y la letra mas que en los integrantes, por ello la vestimenta, y maquillaje y las luces para resaltarlos  no estuvieron muy elaborados,  sino que jugaron con el movimiento, es decir, los chicos fueron la parte móvil de una composición elegante.

En cuanto a la ejecución de las luces fue un punto en donde se desempeñaron mas, pues enfatizaron en el hecho de realizar planos lumínicos en caso toda la canción resaltando pequeñas partes del cuerpo y absorbiendo la atención hacia lo que sucedía detrás de los integrantes, en otras palabras, desviaron la atención del público hacia el fondo, esto debido a que la proyección de sombra no concordaba con los movimientos exactos de la persona en escena.

Si bien para alguno esto fue confuso, al final logra crear un dinamismo en cada escena que convierte a este tema musical en una pieza de sombras móviles que intentan expresar algo diferente o parecido a lo que la letra expresa.

Finalmente, la decisión de contar con locaciones interiores y con grandes espacios como lo es un teatro, ayuda a transmitir el mensaje y sensaciones que hacen de este tema uno no tan estridente pero si agradable, sublime y un tanto romántico, básicamente es una pieza que se saborea lentamente para reconocer cada matiz paciente para comprender el tema. 

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Tim Burtón, único a su propio tinte

Timothy William Burton conocido como Tim Burton nació en Burbank, California el 25 de agosto de 1958, de niño fue introvertido y aficionado al arte, comics y películas de monstruos, fantasía y terror, especialmente debido a su ídolo en la actuación Vincent Pride, que posteriormente sirvió como influencia para su primer producto audiovisual exitoso.

Fuente: Guía del Ocio

Su primer producto audiovisual conocido fue el cortometraje “Vincent” en 1982, el cual fue realizado mientras trabajaba en Walt Disney, esta narra la historia de un niño de 7 años, Vincent Molly, que desea y busca ser un actor sombrío como los personajes del mundo de la literatura de Poe. Fue elaborado en homenaje a su actor favorito, Vincent Price, con estilo gótico, y sombrío que caracteriza a este director posteriormente considerado como sello personal de sus creaciones. El argumento del cortometraje y la producción como tal trae consigo diversas características que actualmente son conocidas como el universo de Burton. 

Desde sus primeras producciones, demuestra una forma fantástica y diferente de representar una historia, con ciertos aspectos que cimentaron el estilo de su cinematografía. Cabe mencionar que para esta producción se contó con la narración de un poema escrito por Burton y con la voz del mismo Pride que logró romantizar las imágenes presentadas.

Fuente: Cinelodeon

Las características destacables de “Vincent”, que iniciaron y perpetuaron el estilo sombrío de Burton son el uso de la iluminación, contrastes fuertes y fondos oscuros, además, de patrones visualmente reconocibles como el diseño retorcidos de personajes, la paleta de color monocromáticos que bordean lo siniestro sin llegar a ser totalmente terroríficas. Por otro lado, la técnica que fue utilizada en este cortometraje fue stop motion, que también forma parte de las características de su animación y empleada en sus películas posteriores. Del mismo modo paso con la realización del cortometraje Frankenweenie de 1984, que 28 años más tarde se convertiría en una película.

Fuente: Culturacolectiva

La combinación del expresionismo alemán e inglés, así como el cine de la década de los 60 ayudo a interiorizar rasgos que se trasformaron en características de la producción de Tim Burton. De esta manera se puede ver rasgos característicos de sus personajes como el hecho de enfatizar en la profundidad de los ojos esencialmente por las sombras alrededor de estos y características físicas, como la piel pálida, extremidades largas y estilizadas, rostro alargado con ojos grandes y melancólicos, en cuanto a los escenarios se ven espacios fríos y amplios, además de crear relaciones estrechas entre dueño-mascota, relaciones atípicas entre familiares y convivencia estándar entre la comunidad. Por ello se refleja cierta melancolía sensibilidad y emoción en sus historias, que generan empatía en el público y el personaje principal generando una especie de romance en todo el sentido de la palabra. 

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"Esta bien no estar Bien" drama romántico un tanto peculiar

Una pieza psicológica divida en 16 capítulos

Fuente: Netflix

"It's Okay To Not be Okay" traducido como "Esta bien no estar bien" es una serie surcoreana estrenada en Junio del 2020, escrita por Jo Yong y dirigida por Shin Woo Park, pertenece al genero comedia romántica. Nos narra la historia del encuentro de una escritora de libros infantiles con una personalidad única y un tanto extraña y un enfermero dedicado a su trabajo y al cuidado de su hermano mayor, tras este encuentro sus vidas se entrelazarán de una manera u otra llevándolos a relacionarse y conectar sinceramente entre ambos. protagonizado por Seo Ye-Ji (Go Moon Young), Kim Soo-Hyun (Moon Gang-Tae) y Oh Jeong-Se (Moon Sang-Tae)

La propuesta de esta serie fue bastante innovadora, pues nos presenta una nueva forma de ver una relación entre dos personas opuestas, no es la típica historia del chico que se enamora de la chica o viceversa, sino quemas bien se presenta el desarrollo de un enamoramiento en el cual se conoce lo peor y molesto de alguien y como la otra persona se siente atraído a esta aun sabiendo su personalidad. 

Fuente: La República

Por otro lado hay que resaltar tanto el inicio y el final de cada capítulo, pues entre estos se narra un cuento que generalmente es escrito o leído por la escritora, Go Moon Yung, y concluye con una moraleja que usualmente esta reflejada en el actuar del enfermero, Moon Gang-Tae, como si se abriera y cerrara un ciclo dejando totalmente completo el mensaje que se quiera dar. El inicio por lo general se presenta como un cortometraje animado donde sus personajes básicamente guardan rasgos familiares entre los personajes principales, además que se va conociendo la vida de la escritora dándole un sentido a su personalidad y a la forma de ver la vida y las situaciones que le ocurren y que ella misma influye en su desarrollo.

Hablar sobre la ejecución de la dirección seria un poco complicado, pero, si podemos resalta el uso de luces y sombras, ya sean artificiales o naturales, pues en cada encuadre el ambiente denota cada una de las emociones y sensaciones que el personaje entrega, es básicamente un sube y baja de emociones colmado de un sentido humorístico muchas veces sutil y en otras tan real que resulta ameno verlo en pantalla, ya que acciones pequeñas como en prestarle un peluche con el pensamiento que este sirve de protección para ahuyentar a las pesadillas es tan de niños que verlo entre una pareja de adultos resulta algo atípico pero esas cosas pasan entre las parejas y tomado como un voto de confianza.

Fuente: AsianGenoma

Otro punto resaltante sin duda son las actuaciones de los personajes principales, pues desde sus actitudes hasta su forma de hablar y moverse son muy buenas pues ejecutan bien sus personalidades que también son reflejadas en sus vestimentas y las tonalidades de color en la fotografía. 

En el caso de Go Moon Young, una de las características que le fue de mucha ayuda fue su voz ronca, esto añadido a sus facciones frías y serias hace de su imagen una clara evidencia de su personalidad demandante y absorbente con quienes están a su lado, por otro lado au actitud es una de las mas icónicas en el mundo de los K-dramas debido a su autonomía y empoderamiento femenino, pues ella siempre hace lo que realmente quiere hacer y no expresa más del lo que debe, sin embargo esto cambia cuando conoce a Gang-Tae pues con el se logra mostrar como cada aspecto de si misma, reconociendo y aceptando su pasado. Su paleta de colores son azules, negros, rojos y morados todos en tonalidades fuertes, por no decir puras, esto se aplica tanto a su vestuario como al color de la fotografía. Su vestuario es muy resaltante esta conformados por vestidos ceñidos en la cintura y accesorios que pueden ser tomados como un tanto extravagantes en algunos casos, es básicamente como el closet de una "diva".

Fuente: Insadong Magazine

Para Moon Gang-Tae sus facciones de persona serena, carismática y tranquila le ayudaron inminentemente a su demostrar su personalidad reservada y sistemática pero tras el encuentro con la escrito esa pasividad se ve atacada sacando a flote su lado protector que había guardado solo para su hermano. Por lo general, sus colores predominantes, son una gama de Azules y marrones y solo en ocasiones de cambio esos colores varían a blanco negro dependiendo de la situación, en cuanto a su vestuario no suele llevar muchas accesorios y sus prendas con de colores enteros.  

Fuente: Soompi

Si bien los dos personajes anteriores son bastante buenos, únicos y acertados en actuaciones, vestuarios y personalidad, el personaje que se llevo la mejor crítica fue Moon Sang-Tae, el hermano mayor de nuestro tranquilo enfermero, pues este personaje estuvo tan bien ejecutado que cabe la duda de que si en realidad el actor Oh Jeong-Se había podido tener la misma enfermedad del personaje, ya que tanto sus movimientos corporales y sobre todo sus gesticulaciones del rostro reflejan esta como una vivida experiencia del actor, algo que merece todo el reconocimiento y elogios que el publico mostro hacia este personaje. Los colores predominantes en él son los verdes, celestes y blancos siempre contrastado con un tomo marrón, en cuanto a accesorios no suele llevar muchos exceptos sus llaves y sus figuras de dinosaurios junto a un morral de color café por lo que su vestimenta es sencilla pero cómoda reflejando sus propia personalidad.

Fuente: Times Sumut

 En conclusión, esta serie es bastante buena, pero no por eso se debe romantizar todas las acciones, si bien en los párrafos anteriores mencionamos que tuvo una muy buena ejecución actoral y que las personalidades son únicas, no quiere decir que estemos de acuerdo con todas las actitudes y acciones que se presentan en los diferentes capítulos, como el básicamente obligar a alguien a pasar tiempo con uno, intentar manipular a una persona con alguna discapacidad solo para pasar tiempo con su hermano o atentar con la vida de otras personas no son temas que deben normalizarse, pues en la vida real estos son alertas de un comportamiento destructivo, poco deseable y aceptable en alguien. Por lo que, la recomendación es, si vas a ver esta serie ten en cuanta que es ficción y que no es sano comportarse como un personaje diseñado en un libreto.

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"Black Swan" la obsesión de la perfección

Buscar la perfección es sinónimo de buscar un imposible y en ocasiones es contraproducente para la persona y su salud.

Fuente: Blogs UPC

Breve reseña

Nina es una bailarina ballet que es cogida por Thomas Leroy, el director del elenco principal de la escuela en la que baila Nina, para ser la principal en la nueva temporada, el gran reto que conlleva esto es que ella debe interpretar tanto al cisne blanco como al negro, esto hace que Nina deba dejar su personalidad frágil, rígida, perfeccionista y milimétrica para poder desbordar pasión y sensualidad en el escenario. En este contexto llega, Lili, su rival y la representación de todo lo que ella no es, por lo que se conflictúa continuamente con su presencia, a esto se le suma la presión que recibe por parte de Leroy y la sobreprotección y actitudes nocivas de su madre, Érica. Todos estos factores desencadenan en Nina una serie de cambios que la afecta psicológicamente donde termina atentando contra su propia vida.

Análisis

Esta película tiene como base generalmente a planos enteros, medios planos y primer primerísimos planos, sin embargo, es crucial mencionar que la ejecución del plano detalle es importante, ya que con esta se logra adentrar al espectador en el desarrollo de la trama evidenciando puntos relevantes para entender a la protagonista, Nina, y conocer los sucesos más resaltantes de sus escenas donde puede ver el estado en el que se encuentra, además que, en esta producción optaron por el uso continuo del primer plano, esto con el afán de enfatizar en la trasmisión de sentimientos y emociones mediante las expresiones faciales, que derivan de los sucesos desencadenados a medida que se va desarrollando la película.

Fuente: Revista Republicante

El movimiento de la cámara desde el inicio es inestable, y es que la película nos introduce a una persona con ciertos problemas desde el inicio los cuales van empeorando a medida que se desencadenan las demás situaciones, por esta razón tenemos a una cámara inestable la mayor parte del tiempo que enfoca desde atrás del personaje además de contar con una cámara que gira 360 grados o 180 grados entorno a la protagonista continuamente dejando en evidencia la soledad y lo asfixiante de su vida cotidiana. Asimismo, la cámara fija se encuentra durante el baile, ya que es donde ella tiene el control de su cuerpo y de lo que puede pasar, sin embargo, esto cambia constantemente ya que su propia estabilidad no es continua y se agobia constantemente con ser perfecta 

Mayoritariamente se presentan planos cerrados, otros planos presentes con menos recurrencia pero que sirven para contextualizar son el plano conjunto y el plano general, donde se presenta el lugar donde se desarrolla mayormente las situaciones importantes. En cuanto a los ángulos de la cámara no se hace uso excesivo de ellos, de hecho, generalmente son ángulos rectos, excepto cuando Nina ve a su rival, en esta ocasión es un contrapicado dejando a la protagonista en la parte más alta y a su rival por debajo de ella.

Lo que se puede analizar más a fondo es la vestimenta de los personajes, ya que esta refleja su personalidad y lo que ellos representan. Los colores predominantes para Nina, al inicio de la película, son el rosa, el blanco y el gris dejando ver la personalidad frágil, y sobre protegida que tiene, así como la versión infantilizada que su madre intenta mantener en ella, pero con el gris presente todo el tiempo se puede entender que hay una parte de ella que quiere dejar esa versión y que si existe una parte más mujer dentro de ella la cual intenta reprimir.

Fuente: FilmAfinity

Para Leroy, los colores comunes son el negro, blanco y gris, esta paleta de colores en la vestimenta del director deja en evidencia la dualidad de su propia personalidad y que para el si hay un punto medio, pero cuando está en horas de práctica con Nina sus colores son blanco y negro denotando un carácter más determinado en cuestión a su trabajo. Para Lily, la rival, sus colores son negros, siendo completamente lo opuesto a la protagonista. Y para la madre, Érica, su color es únicamente negro, simbolizando lo absorbente de su personalidad.

La utilización de luces y sombras son en definitiva lo que caracteriza a esta película, pues casi en todo momento se ve esta dualidad ligada a cada acontecimiento importante del desarrollo de la trama y por ende al desarrollo de Nina como personaje principal, por ejemplo, cuando Nina intenta interpretar su versión del cisne negro en compañía de Leroy las luces son claras y vivaces mientras que cuando ella esta con su madre en casa generalmente hay luces contrastadas que genera un ambiente tenso. Por otro lado, las luces también son importantes al momento de enfatizar en los puntos críticos de la historia, por ejemplo, cuando la protagonista es presentada como la nueva estrella, las luces para ella son más claras mientras que para, Beth, son más fuertes y contrastadas.

 El clímax de la película y la primera escena tiene la misma luminosidad, pues en ambas se encuentra Nina bailando en medio de la oscuridad y con una única luz que la alumbra solo a ella, terminando la película casi del mismo modo.

Fuente: Letras libres

 La actuación de la protagonista es esencial, y dentro de este producto audiovisual es indiscutiblemente bien realizado, pues realmente transmite el complejo estado de ánimo y las condiciones psicológicas y físicas del personaje en sí, El factor más rescatable son las expresiones fáciles, ya que se refleja el sufrimiento, la frustración y el cambio abismal que tiene la protagonista después de cada punto crítico, así como la constante sobre exigencia que se hace así misma para obtener lo que quiere. En cuanto al cambio de personalidad, la actriz, fue certera sobre esto, ya que el cambio mental se ve reflejado en el estado físico y su destrucción mental y físicamente.  

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"Whiplash" de la ambición a la obsesión

La pasión es un potente motor para la ambición pero esta no siempre en sana ni buena para una persona.

Fuente: espinoff

Breve resumen

Andrew Neiman es un joven y ambicioso baterista de jazz, absolutamente enfocado en alcanzar la cima como músico es reclutado por el director estrella del conservatorio donde toma clases, Terence Fletcher, una persona de carácter explosivo que busca poder instruir a la próxima estrella del Jazz, por lo que manipula, humilla y genera estrés en sus músicos para que sus músicos rompas sus propios lo que termina convirtiéndolo en el factor principal para que el joven Neiman se adentra en una sobre exigencia que termina destrozándolo física y mentalmente a tal punto de no importarle nada solo hacer el solo que tanto busca Fletcher. Es una historia sobre la determinación mal utilizada llegando a bordear matices de obsesión por ser el mejor y no terminar siendo una más del montón.

Análisis

A lo largo de la película podemos ver que el uso de la cámara, en cuanto a movimiento y planos no son muy surtidos, sino que generalmente son planos cerrados contando con planos enteros, primer primerísimo plano, primer plano y plano medio, lo formidable es que juega bastante con el plano detalle, especialmente para enfatizar en los tres componentes importantes Fletcher, Neiman, y por último en el instrumento importante en toda la película, la batería.

Es importante reconocer que los planos detalles caen muy bien con la propia narrativa pues agudiza la puesta en escena haciendo partícipe al espectador en los momentos cruciales de la trama, por otro lado, también sirve para poder conocer el aspecto psicológico del protagonista como cuando se cambia de habitación y solo se lleva su colchón y un reloj y termina frustrándose aún más de lo que ya estaba. En el clímax de la película se aprecia un movimiento de cámara muy interesante, y es que es continuo entre Fletcher y Neiman, es como que finalmente ambos llegaron al punto donde deseaban estar, por esa razón no hay un cambio de enfoque normal, sino que se los enfoca individualmente con un barrido entre ellos tal como su fuera un lazo que los une en un mismo lugar y tiempo.

Fuente: El País

El color y temperatura de la producción son bastante notables, en un inicio podemos ver una paleta de colores sobrios, generalmente en azules y grises, con una temperatura fría y sin emoción, esto cambia cuando protagonista pasa a ser dirigido por Fletcher. Donde se pasa de fríos a cálidos especialmente cuando Neiman se encuentra en lugares en los que no halla seguridad y lo conflictúa, como al estar bajo la dirección de Fletcher, en la cena familiar, cuando está a solas con su padre e incluso cuando invita a salir a Nicole. Con todo esto se puede entender que los colores cálidos están presenten es la vida Neiman cuando no controla lo que está pasando y esto lo conflictúa a tal grado que se nota su incomodidad en dichos lugares y con las personas que se encuentran en estos espacios.

En cuanto a la vestimenta tenemos la gama de colores azules, blancos, grises y negros y la combinación de estos para Neiman, indicando que a pesar de todo es bastante racional, y busca ser tomado enserio por los demás, aunque en ciertas ocasiones de deje impregnar con las ideas de los otros, y el color predominante de Fletcher es el color negro, proyectando una imagen de seguridad, autosuficiencia y elegancia ante todos. Lo mismo pasa con el tipo de vestimenta, en el caso del protagonista suele llevar prendas simples con una camisa encima.

Fuente: Pinterest

Las luces y sombras son un factor importante dentro de la trama ya que estas determinan el estado de ánimo de los personajes y como perciben al ambiente en el que se desarrollan, al inicio de la película se puede ver una única luz fuerte sobre Neiman y como de las sombras sale Fletcher hasta estar en su campo de visión, aun así, la luz del director no es tan fuerte por lo que más se ve como un acecho que como un encuentro sano, sin embargo, cuando comienzan a trabajar las luces son las estables para ambos. En varias partes de la película se deja ver la gran diferencia entre Neiman y los demás personajes, pues mientras esta con ellos las luces predominantes son fuertes y contrastadas mientras que cuando esta solo las luces son tenues.

En el clímax las luces parpadeantes al ritmo de la batería, durante el solo de Neiman en dos ocasiones emerge de las sombras para poder brillar para sí mismo, las luces también marcan este cambio, pues lo iluminan solo a él dejando en las sombras al resto. La gran ejecución lumínica deja claro cada aspecto y matiz de la historia especialmente en ocasiones donde el protagonista se siente incómodo o es totalmente molesto, el ambiente trasmite esto con precisión.

Finalmente, las actuaciones que dan los actores que encarnan a Fletcher y Neiman en ambos casos son certeras al momento de expresiones faciales y corporales, por un lado, tenemos al estudiante, comprometido y con gran ímpetu de seguir su camino hasta conseguir lo que desea, el cual no le importa nada solo ser grande incluso si esto lo lleva a afectar su vida personal o su salud física y mental, y por otro lado tenemos al director estrella, Fletcher, con un carácter explosivo, dominante y nocivo hacia quienes considera con un futuro brillante, el cual no toma en cuenta las repercusiones psicológicas que puede causarles después de tanta intimidación constante.

Apreciación personal

Fuente: IMDb

La película nos entrega una visión sobre lo que implica desear excesivamente algo, retrata las implicancias escondidas detrás de un gran artista e interprete, sobre el trabajo duro y la necesidad de reconocimiento, así como también trae a flote un mundo el cual es casi invisible por la mayoría. Es evidente que para representar emociones y sensaciones tan intensas como la pasión y la obsesión se necesita realmente trabajar muy bien las diferentes expresiones del rostros y cuerpo, pues es aquí donde se ve lo real de estas, donde se puede empatizar y realmente sentir la frustración y el estado anímico del protagonista al ver el sufrimiento, la determinación y la obsesión que no lo deja ver su propia condición metal y física.

Por lo que, resalto las actuaciones de los personajes principales durante todo el film, porque a pesar de que su relación en destructiva llegan a sentirse parte de un solo momento dejando en evidencia una buena ejecución de las relaciones actorales de ambas partes. Es una buena alternativa para disfrutar un producto intenso y voraz que intensificará cada emoción generada. 

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Cine peruano: "Magallanes" el tiempo no lo cura todo

El tiempo es el mayor enemigo del hombre mas aun cuando la culpa y el remordimiento son mas fuertes que tu persona.

Fuente: Andina

La película Magallanes es el primer largometraje de Salvador de Solar, actor peruano, que retrata la historia de la culpa y vergüenza de un hombre sobres sus acciones en tiempos de guerra, que intenta redimirse y cerrar una etapa de su vida, así mismo como encontrar el coraje suficiente como para pedir pedir perdón y perdonar. En cuanto al reparto actoral, se cuenta con Damián Alcázar y Magaly Solier en los protagónicos, Magallanes y Celina respectivamente, también se cuenta con la participación de Federico Luppi como el coronel, Christian Meier como el hijo del coronel y Bruno Odar como el amigo y colega de Magallanes.

De genero thriller policial trae consigo un sin números de empleabilidad acertada en cuanto a los movimientos de cámara y la musicalidad, pero lo más destacables es sin duda el uso de la luz durante toda la película, en esta nos presenta a una Lima resplandeciente y con colores cálidos durante el día. Durante toda la película se hace el uso de colores vivos, aunque, también hay ocasiones donde los colores se van para los marrones y rojizos en especial cuando se está planeando el secuestro y pedido de rescate del hijo del coronel.

Fuente: El País

Cuando ocurre el primer encuentro entre los protagonistas la luz se torna tenue, pero sin ser un cambio brusco o abrumador, es como si intentara reflejar la luminosidad de la propia ciudad, además que, indica un cambio e impacto en el protagonista, esto también se puede ver en la actitud del propio personaje y el plano detalle que se hace al retrovisor en el momento que Magallanes ve a la pasajera ayuda a dar esa sensación de importancia de este encuentro, luego pasa a un primer plano el cual lo acompaña durante el resto del viaje, a esto sumémosle la musicalidad, pasiva dulce y triste a la vez lo cual da un resultado bastante conmovedor e intrigante ya que hasta ese entonces no se sabe quién esta joven y que significa para el protagonista. 

En la escena en la que Magallanes admira a un hombre en parapente, puede interpretarse como el deseo de liberación y la amplitud de su propia vida, esto debido al uso de la profundidad de campo en un ángulo normal de plano abierto, también se puede entender que es la añoranza del protagonista debido a la propia actuación de Damián, unido al primer plano, el ángulo contrapicado de la escena y con ayuda de la música de fondo genera la sensación de deseo superación y liberación que acongoja al protagonista.

Estas escenas son solo un ejemplo de todo lo que engloba la producción de esta película, sin duda los planos mayormente utilizados son el primer plano, el contraplano, el plano general y el plano detalle, así como los ángulos contrapicado y normal. En cuento a líneas de continuidad son generalmente horizontales con cámara fija tanto en la imagen fija como en la imagen en movimiento.

Apreciación personal

Fuente: Peru21

En conclusión, tal como se dijo al inicio de este análisis, la película “Magallanes” esta carga de emociones intensas, sentimientos no correspondidos y comprensibles que genera la idea de realidad del producto final, ya que logra hacer sentir empatía con los personajes principales y todo lo que los encierra en esta historia, personalmente creo que fue fundamental el uso de la luz y la musicalidad durante todo el largometraje, que sin duda le da alma a esta película. 

Es necesario destacar las actuaciones, pues en ambos personajes se puede identificar cada una de las heridas que no han podido sanar y que posiblemente jamás lo hagan, tanto la culpa como costo de sobrevivir son cargas muy pesadas y esto se ve reflejado en sus rostros, lenguaje corporal incluso en la tonalidad de sus voces, por lo que me atrevo a decir, que es una de las películas peruanas indispensables para cualquier persona.

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“Apuntes al Natural” una historia emocional

Una historia con grandes cambios emocionales que generan diversas sensaciones en el público a medida que sus personajes se van desarrollando.

Fuente: Allociné

Historias de Nueva York es una película estadounidense 1989 dirigida por Martín Scorsese, Francis For Coppola y Woody Allen, en ella se nos cuenta tres historias diferentes que tienen como único nexo el suscitarse en la ciudad de Nueva York. en los siguiente párrafos analizará solo la primera historia, Apuntes al natural, la cual fue dirigida por Martín Scorsese. A modo de resumen de lo que trata esta historia es básicamente sobre un pintor famoso y reconocido, Lionel Dobie, que intenta llevar una vida junto a su ayudante y aprendiz, pero tiene problemas en contener lo que siente por ella y el vínculo que tiene con su propio arte.

Si hablamos de planos, cabe mencionar que estos son continuos, generalmente ayudados con el travelling mixto. Asimismo, los planos más usados son por mucho el plano detalle, el primer plano, primer primerísimo plano, el contrapicado, plano medio además del plano normal. Es entendible el uso continuo del primer plano y primerísimo primer plano, ya que en estos se nos muestra las emociones en el rostro de los personajes y ayuda a enfatizar con sus sentimientos e inquietudes, además de generar una relación cercana entre estos y el público, pues los hace ver más reales.

Fuente: La Opera

En cuanto la paleta de colores, al principio la fotografía tiene tonalidades cálidas pero sutiles y a medida que se desarrolla la trama los colores pasan a tonalidades frías, este cambio es casi imperceptible, pero si se siente. El vestuario de los protagonistas por lo general son de colores tierra y serios para Lionel y negros o blancos para su ayudante, esto puede darnos la idea de sus propias personalidades, en el caso del pintor es una persona constante y terca con lo que quiere, pero siempre deja ver su elegancia y genialidad mientras que su ayudante es extremista y de cambios radicales, por lo que no hay un punto medio para ella como persona ni para sus decisiones.

Su escenografía y composición son simple, pero bien distribuidas y realizadas, por ejemplo, el estudio de Lionel es amplio sin paredes que obstaculicen tu camino a excepción del cuarto donde está su ayudante, donde se pueden ver sus materiales de trabajo y una radio la cual es su única compañía casi todo el tiempo, esto da una sensación de libertad y tal vez un poco de soledad. Esta sensación se intensifica con el uso de luces que se incorpora, las cuales no son brillantes, pero si lo suficientemente claras para dejar ver los implícito de las acciones y situaciones, así como remarcar las emociones y lo real de estas.

Apreciación personal

Fuente: The Sanity Clause

No puedo negar que la ejecución de esta película logro captar mi atención en parte se debe a la historia en sí y el guion de esta, pero lo que más me gusto sin duda es el argumento y la construcción de personajes. Para dar una opinión y apreciación sobre esta parte de la película necesariamente tengo que irme por el lado psicológico, ya que, ambos personajes tienen personalidades definida e intrigantes, por el lado del pintor vemos actitudes de deseo y pasión intensas hacia la única figura femenina presente en su vida, lo que lo hace más interesante es que no se da cuenta que su actitud bordea con la obsesión hacia la joven, a tal punto de poder conformarse con tocar una pequeña parte de su cuerpo, como uno de sus pies y  querer complacerla en lo que ella quiere, dándole la razón pero saboteándola al mismo tiempo. Por otro lado, tenemos a la joven aspirante que está en la incesante búsqueda de ella misma y de su futuro lo que la convierte en una persona influenciable con cualquiera que le de atención.

Con lo explicado anteriormente puedo decir que este fragmento de la película refleja bien el choque entre dos etapas de la vida, una donde sabes quién eres y que es lo que quieres, pero poco entendido por los demás, y otra donde se está buscando el lugar al cual pertenecer, así como de sentirse bien con uno mismo y tener la capacidad de elegir sin culpa. Su realización es muy buena y certera en cuanto a la puesta en escena y desborda emociones que suelen pasar desapercibidas o poco entendidas por nosotros mismo a lo largo de nuestras vidas, es así como logra conectar y generar empatía en quien la vea, pues directa e indirectamente nos vemos reflejados en los personajes y la historia.  

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